Masaccio, "Trinity" - une réforme de la perspective

2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-17 05:35

"Trinity" - fresque de Masaccio. Époque - début de la Renaissance. L'époque de la création est d'environ 1425 - 1428. Dimensions: 667 x 317 cm. Situé dans l'église Santa Maria Novella de Florence.

Histoire de l'oeuvre

Fresque Masaccio "Trinité" a été réalisée sur la troisième travée de la nef sous le contrôle des dominicains. Son client est inconnu. Giorgio Vasari l'a décrit en entier en 1568, et deux ans plus tard, il a disparu. Sur le nouvel autel en pierre, un grand tableau "Vierge du Rosaire" ou "Vierge du Rosaire", réalisé par Vasari lui-même, est installé. L'œuvre de Masaccio a été redécouverte en 1861 lorsque les retables du XVIe siècle ont été supprimés. La fresque a été transférée sur toile et fixée au mur intérieur de la façade. En 1952, la Trinité est déplacée vers un nouvel emplacement au-dessus du sarcophage d'Adam, qui se trouve dans le mur de l'autel néo-gothique du XIXe siècle.

Le thème que le maître révèle

Dieu le Père soutient la croix de son fils. Le Saint-Esprit plane entre eux sous la forme d'une colombe. Ainsi, la "Trinité" chrétienne est remplie de grâce émanant d'elle. Sous le crucifix se trouve un sarcophage avec le squelette d'Adam, qui devrait rappeler au paroissien la mort inévitable et la nécessité du repentir. C'est ainsi que Masaccio a vu la Trinité.

Descriptionpeintures murales

Comme son contemporain Donatello, Masaccio dans "Trinity" a fait la plupart de ses découvertes lors de l'écriture de perspectives et de cadres architecturaux, ce qui était complètement nouveau pour son époque. L'artiste aimait l'architecture de Filippo Brunelleschi et a soigneusement écrit les gracieuses colonnes et chapiteaux de l'ordre ionique, dorique puissant, ainsi que les arcs. Le plafond n'a aucune signification mystique, mais il est écrit avec tous les moindres détails et cellules. Masaccio a placé la Trinité au centre même et la Vierge Marie dans un manteau bleu à sa gauche. Sur la droite est St. John en rouge. En dessous, il y a deux autres personnages: à gauche, dans un manteau rouge, le donateur (vraisemblablement Lorenzo Lenzi), et à droite, en bleu, sa femme. Ces couleurs ne sont pas aléatoires. Ils sont la symétrie croisée des deux figures précédentes. En taille, les conjoints ressemblent aux saints, ce qui n'était pas accepté à l'époque. C'est aussi l'innovation du peintre. Voici, en fait, une brève description de la Trinité par Masaccio.

Analyse de peinture

Considérons comment l'artiste a placé toutes les figures sur son travail. Le Père, étendant largement ses bras et remplissant tout l'espace, soutient la croix sur laquelle le Fils a été crucifié. Sa tête est le point le plus haut de la composition, un peu plus bas est Jésus martyrisé. Entre eux, les reliant, se trouve une colombe blanche - le Saint-Esprit. Le troisième niveau est la Vierge Marie, dont le corps, le visage et la main sont tournés vers le spectateur et pointent vers la souffrance du Christ.

Curieusement, elle est représentée comme une femme âgée. Dans un silence respectueux et priant, saint Jean est au même niveau. Sur lele schéma ci-dessous montre clairement leur emplacement, ainsi que le donateur et sa femme, qui se tiennent encore plus bas que cet espace sacré. Ils sont au niveau des yeux du public. Le point de fuite de l'ensemble de la composition est situé au niveau du sol et se réduit à une ligne qui symbolise probablement le niveau de la terre. Mais paradoxalement, ses tuiles ne sont pas représentées sur la photo, elles ne peuvent être que spéculées. Nous continuons l'analyse et la description de la peinture de Masaccio "Trinity".

Il est inconfortable pour une personne de taille moyenne de se tenir près de l'image. Par conséquent, un sarcophage semble déplacer le paroissien à sa place. Certains chercheurs pensent que lors de l'écriture de la perspective, Masaccio a utilisé l'astrolabe pour cartographier une sphère bidimensionnelle sur un plan. D'autres disent que l'artiste a simplement enfoncé un clou au centre du sol de la composition, tiré les cordes et tracé les lignes nécessaires le long d'elles avec un crayon d'ardoise. Ses traces sont encore visibles aujourd'hui.

Masaccio a été tellement emporté par l'image de la perspective qu'il a oublié l'ombre que chaque figure devrait avoir. Seul Jean l'Évangéliste l'a.

Le squelette d'Adam n'est pas moins intéressant. Il s'agit de la première représentation anatomique précise et réelle de la Renaissance, si naturaliste que n'importe qui peut compter ses côtes.

L'inscription au-dessus, traduite du latin, se lit comme suit: "J'étais le même que toi, mais tu deviendras le même que je suis devenu." Les paroissiens ordinaires ne parlaient pas le latin, donc seules les personnes instruites pouvaient le lire et le comprendre.

Le drame qui se déroule sur la toile, Masaccio le transmet avec les gestes et les expressions faciales de ses modèles. Leurs silhouettes sont formées en relief. L'artiste veut créer le sentiment que tout se passe « ici et maintenant », afin que tous ceux qui regardent cette œuvre soient complètement imprégnés de la netteté et de la tension de l'instant. C'est aussi l'innovation de l'œuvre.

Tomaso Masaccio a vécu une vie courte (seulement 27 ans), mais est devenu un réformateur de la peinture du début de la Renaissance, ayant une grande influence sur les peintres suivants.