Belcanto est une technique de chant virtuose. Formation vocale. chant d'opéra

2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-17 05:35

De longues lignes de phrases musicales, des passages mélodiques et des grâces, un contrôle vocal incroyable et une beauté raffinée du chant virtuose. Au tournant des XVIe et XVIIe siècles, une école de chant est née en Italie, qui a donné au monde une technique vocale performante, que les Italiens, avides de termes prétentieux, ont baptisée bel canto (bel canto) - «beau chant». N'exagérons pas, marquant cette période comme le début de l'apogée du chant théâtral et le point de départ du développement ultérieur du genre opéra.

La naissance de l'opéra: Florence

Les premiers opéras apparus dans la période décrite doivent leur naissance aux membres d'un petit cercle d'amateurs d'art ancien, formé à Florence et entré dans l'histoire de la musique sous le nom de "Florence Camerata". Les fans de la tragédie grecque antique rêvaient de faire revivre l'ancienne gloire de ce genre et étaient d'avis que les acteurs ne parlaient pas, mais chantaient les mots, en utilisant le récitatif, une transition douce et mélodique des sons, pour reproduire le texte.

Les premières œuvres écrites sur l'intrigue de l'ancien mythe grec d'Orphée ont donné l'impulsion à la naissance d'un nouveau genre musical- opéras. Et les parties vocales solistes (arias) qui en faisaient partie intégrante ont obligé les chanteurs à s'engager sérieusement dans la formation vocale, ce qui a été la raison de l'émergence de l'art du beau chant - le bel canto. Cela impliquait la capacité d'interpréter des fragments mélodiques persistants sur une longue respiration tout en maintenant une production sonore fluide tout au long de la phrase musicale.

École napolitaine

À la fin du XVIIe siècle, la tradition lyrique napolitaine s'est formée, établissant enfin l'art du bel canto sur la scène théâtrale. C'était à la fois un développement de l'idée florentine et une modification de celle-ci. À Naples, la musique et le chant sont devenus la composante principale du spectacle, et non la poésie, qui jusque-là avait eu le rôle dominant. Cette innovation a plu au public et suscité un grand enthousiasme.

Les compositeurs napolitains ont transformé structurellement l'opéra. Ils n'abandonnèrent pas l'usage des récitatifs, qu'ils divisèrent en différents types: accompagnés (accompagnés par un orchestre) et secs, contenant des informations présentées de manière familière aux rares accords de clavecin pour maintenir la tonalité musicale. La formation vocale, devenue obligatoire pour les interprètes, a accru la popularité des numéros solos, dont la forme a également subi des changements. Des airs typiques sont apparus dans lesquels les personnages exprimaient des sentiments de manière généralisée, en relation avec la situation, et non basés sur l'image ou le personnage. Airs lugubres, bouffons, quotidiens, passionnés, de vengeance - l'espace intérieur de l'opéra napolitain était rempli d'un contenu animé.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

Compositeur exceptionnel et passionné, Scarlatti est entré dans l'histoire en tant que fondateur de l'école d'opéra de Naples. Il a créé plus de 60 œuvres. Le genre d'opéra sérieux (opera seria), créé par Scarlatti, raconte la vie de héros célèbres à l'aide d'une intrigue mythologique ou historique. Le chant d'opéra a repoussé la ligne dramatique de la représentation en arrière-plan et les récitatifs ont cédé la place aux airs.

Le large éventail de parties vocales dans l'opéra sérieux a élargi les exigences auxquelles les voix d'opéra devaient répondre. Les interprètes se sont améliorés dans l'art du chant, même si cela a parfois suscité des curiosités - chacun d'eux souhaitait que le compositeur inclue dans l'opéra des airs qui souligneraient favorablement la dignité de la voix. Le résultat a été une collection de numéros solo sans rapport, ce qui a conduit à qualifier l'opéra seria de "concert costumé".

Beauté et savoir-faire

Une autre contribution de l'école d'opéra napolitaine au développement du bel canto a été l'utilisation de décorations ornementales (colorature) de la palette musicale dans les parties vocales. La colorature a été utilisée à la fin des arias et a aidé les interprètes à démontrer au public le degré de contrôle de la voix. Grands sauts, trilles, passages à distance, l'utilisation de la séquence (répétition d'une phrase musicale ou d'un tour mélodique dans différents registres ou tonalités) - ont ainsi augmenté la palette expressive utilisée par les virtuoses du bel canto. Cela a conduit au fait que le degré de compétence du chanteur était souvent évaluéselon la complexité de la colorature qu'il exécute.

La culture musicale italienne était exigeante. Les voix de chanteurs célèbres se distinguaient par leur beauté et leur richesse de timbre. L'entraînement vocal a permis d'améliorer la technique d'interprétation, d'atteindre l'uniformité et la fluidité du son dans toutes les gammes.

Premiers conservatoires

La demande de bel canto a conduit à la formation des premiers établissements d'enseignement qui formaient des chanteurs. Les orphelinats - conservatoires - sont devenus les premières écoles de musique de l'Italie médiévale. La technique du bel canto y était enseignée sur la base de l'imitation, de la répétition après le professeur. Ceci explique le haut niveau de formation des chanteurs de cette époque. Après tout, ils ont étudié avec des maîtres reconnus tels que Claudio Monteverdi (1567-1643) ou Francesco Cavalli (1602-1676).

Les étudiants ont composé des exercices spéciaux pour le développement de la voix, le solfège, qui devait être répété, améliorant la technique de chant et développant la respiration - des compétences si nécessaires au bel canto. Cela a conduit au fait qu'après avoir commencé la formation à l'âge de 7-8 ans, à l'âge de 17 ans, des artistes professionnels de la scène d'opéra ont émergé des murs du conservatoire.

Gioachino Rossini (1792-1868)

Avec son apparition, le bel canto italien a prédéterminé la tendance de développement de la culture musicale de l'opéra pour les trois siècles à venir. L'œuvre du compositeur italien G. Rossini a marqué une étape importante dans son développement. L'énergie rythmique, la brillance et la mobilité des parties vocales ont exigé des interprètes une riche variété de timbres, de la virtuosité etécole de chant exceptionnelle. Même les airs chantés et les récitatifs des compositions de Rossini exigeaient un dévouement total.

Le mélodisme de Rossini a ouvert la voie au bel canto classique, qui se distingue par l'exhaustivité des phrases, douce et aérée, la mélodie douce et fluide (cantilène) et l'ardeur sensuellement sublime. Il est à noter que le compositeur lui-même connaissait l'art du chant de première main. Enfant, il chantait dans la chorale de l'église, et à l'âge adulte, en plus de composer, il se consacra avec enthousiasme à la pédagogie vocale et écrivit même plusieurs livres sur cette question.

Pédagogie

Le chant d'opéra italien, qui est devenu un symbole de la culture musicale européenne des XVIIe au XIXe siècles, est apparu grâce au travail de professeurs innovants et doués qui ont étudié le chant et expérimenté la voix humaine, en perfectionnant son son. Les techniques décrites dans leurs écrits sont encore utilisées dans la préparation des chanteurs.

Pas un seul détail n'a échappé aux enseignants. Les élèves ont compris les secrets d'une respiration chantée libre et facile. L'entraînement vocal supposait un volume sonore modéré, des phrases mélodiques courtes et des intervalles étroits, ce qui permettait d'utiliser la respiration vocale, caractérisée par une respiration rapide et profonde suivie d'une expiration lente. Des complexes d'exercices ont été développés pour entraîner une production sonore homogène dans les registres aigus et graves. Même l'entraînement devant un miroir faisait partie du cours de formation pour les interprètes novices - des expressions faciales excessives et une expression faciale tendue trahissaient un travail convulsifappareil vocal. Il était recommandé de rester lâche, de se tenir droit et avec l'aide d'un sourire pour obtenir un son clair et proche.

Nouvelles techniques de chant

Parties vocales complexes, dramaturgie et performances théâtrales ont posé des tâches difficiles aux chanteurs. La musique reflétait le monde intérieur des personnages et la voix faisait partie intégrante de l'image globale de la scène. Cela s'est clairement manifesté dans les opéras de G. Rossini et G. Verdi, dont l'œuvre a marqué l'essor du style bel canto. L'école classique considérait qu'il était acceptable d'utiliser le fausset sur des notes aiguës. Cependant, la dramaturgie a rejeté cette approche - dans la scène héroïque, le fausset masculin est entré en dissonance esthétique avec la coloration émotionnelle de l'action. Le premier à franchir ce seuil vocal fut le Français Louis Dupré, qui commença à utiliser le mode de production sonore, qui établit des mécanismes physiologiques (rétrécissement du larynx) et phonétiques (langage en position «Y») pour protéger la voix. appareil et appelé plus tard "couvert". Il a permis de former la partie supérieure de la gamme sonore sans passer au fausset.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

En passant en revue l'art vocal lyrique, il est impensable d'ignorer la figure et l'héritage créatif du grand compositeur italien G. Verdi. Il a transformé et réformé l'opéra, introduit des contrastes et des oppositions dans l'intrigue. Il fut le premier des compositeurs à participer activement à l'élaboration de l'intrigue, de la scénographie et de la mise en scène. Dans ses opéras, la thèse et l'antithèse dominaient, les sentiments et les contrastes faisaient rage, s'unissaientmondain et héroïque. Cette approche a dicté de nouvelles exigences pour les chanteurs.

Le compositeur critiquait la colorature et disait que les trilles, les appoggiatures et les gruppettos ne pouvaient pas devenir la base d'une mélodie. Il n'y a presque pas de décorations ornementales dans les compositions, ne restant que dans les parties de soprano, et disparaissant plus tard complètement des partitions d'opéra. Les parties masculines des climax ont été déplacées vers le registre supérieur en utilisant le "son couvert" déjà décrit plus tôt. Les interprètes des parties de baryton ont été contraints de reconstruire le travail de l'appareil vocal à partir d'une haute tessiture (arrangement à haute altitude des sons par rapport à la tessiture chantée), dictée par le reflet de l'état émotionnel des personnages. Cela a conduit à l'émergence d'un nouveau terme - "baryton Verdi". L'œuvre de G. Verdi, 26 beaux opéras mis en scène à La Scala, a marqué la deuxième naissance du bel canto - l'art de maîtriser la voix portée à la perfection.

Tour du monde

Le style vocal léger et gracieux ne peut pas être limité aux frontières d'un seul État. La majeure partie de l'Europe tomba peu à peu sous son charme. Le beau chant a conquis la scène théâtrale mondiale et a influencé le développement de la culture musicale européenne. Une direction d'opéra a été formée, qui a reçu le nom de "belkanta". Le style a repoussé les limites de son application et s'est lancé dans la musique instrumentale.

La mélodie virtuose de F. Chopin (1810-1849) synthétise la poétique folklorique polonaise et le bel canto d'opéra italien. Les héroïnes rêveuses et douces des opéras de J. Masnet (1842-1912) sont empreintes d'un charme belcanthe. L'influence du style s'est avérée si grande que son influence sur la musique est devenue vraiment grandiose, s'étendant du classicisme au romantisme.

Connecter les cultures

Le grand compositeur M. I. Glinka (1804-1857) est devenu le fondateur des classiques russes. Son écriture orchestrale - sublimement lyrique et en même temps monumentale - est remplie de mélodies, dans lesquelles sont visibles à la fois les traditions de la chanson folklorique et la sophistication belkante des airs italiens. La cantilène qui leur était propre s'est avérée similaire à la mélodie des longues chansons russes - véridiques et expressives. La prédominance de la mélodie sur le texte, les chants intra-syllabiques (accentuation chantante des syllabes individuelles), les répétitions de la parole qui créent la longueur de la mélodie - tout cela dans les œuvres de M. I. Glinka (et d'autres compositeurs russes) était incroyablement harmonieusement combiné avec les traditions de l'opéra italien. Les chansons folkloriques persistantes, selon les critiques, méritaient le titre de "bel canto russe".

Au répertoire des stars

La brillante époque du bel canto italien s'est terminée dans les années 1920. Les bouleversements militaires et révolutionnaires du premier quart du siècle ont rayé l'essence normative de la pensée lyrique romantique, elle a été remplacée par le néoclassicisme et l'impressionnisme, le modernisme, le futurisme et d'autres divisés en directions. Et pourtant, les célèbres voix d'opéra n'ont cessé de se tourner vers les chefs-d'œuvre du chant classique italien. L'art du "beau chant" a été brillamment maîtrisé par A. V. Nezhdanov et F. I. Chaliapine. Le maître inégalé de cette direction de chant était L. V. Sobinov, qui était appelé l'ambassadeur du bel canto en Russie. Les grandes Maria Callas (États-Unis) et Joan Sutherland (Australie), honorées par leurs collègues du titre de "Voix du siècle", le ténor lyrique Luciano Pavarotti (Italie) et la basse inégalée Nikolai Gyaurov (Bulgarie) - leur art était basé sur la base artistique et esthétique du bel canto italien.

Conclusion

Les nouvelles tendances de la culture musicale n'ont pas réussi à éclipser l'éclat de l'opéra bel cante italien classique. Peu à peu, les jeunes interprètes recherchent les informations conservées dans les notes des maîtres des années précédentes sur la respiration appropriée, la production sonore, la sculpture de la voix et d'autres subtilités. Ce n'est pas un intérêt vain. Le public sophistiqué a éveillé le besoin non pas d'entendre une interprétation moderne d'œuvres classiques, mais de plonger dans l'espace temporaire fiable d'un art du chant impeccable. Peut-être s'agit-il d'une tentative de percer le mystère du phénomène du bel canto - comment, à l'ère de l'interdiction des voix féminines et des préférences pour un registre masculin aigu, une direction de chant a pu naître qui a survécu aux siècles et s'est transformée en un système harmonieux qui a jeté les bases de la formation de chanteurs professionnels pendant plusieurs siècles.