Statue en marbre : histoire de la sculpture, les plus grands sculpteurs, chefs-d'œuvre mondiaux, photos

2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-17 05:35

Le marbre blanc est le matériau le plus fertile pour les œuvres sculpturales représentant des personnes. Il est si doux qu'il se prête bien au cutter, mais en même temps il est suffisamment dense pour permettre de tailler les détails les plus fins et accepter parfaitement le meulage. La statue de marbre transmet le mieux l'état émotionnel, la sensualité et la perfection anatomique du corps humain. Les sculpteurs de la Grèce antique ont été les premiers à amener l'art de la sculpture à un tel niveau, lorsqu'il a commencé à sembler qu'une pierre morte commençait à prendre vie, acquérant de beaux contours. Depuis lors, les artistes d'autres époques ont constamment cherché à améliorer la technique de la sculpture sur marbre afin d'exprimer leurs nobles idées de la manière la plus vivante et la plus figurative possible, de transmettre des formes impeccables et la profondeur des sentiments humains.

Pourquoi le marbre ?

Depuis l'Antiquité, les Égyptiens utilisaient largement divers types de pierre pour la fabrication de formes sculpturales, telles que l'obsidienne noire et le bas alte, la diorite vert-brun, le porphyre violet, la calcite doucealbâtre, calcaire. Depuis l'antiquité, des statues ont été créées à partir de bronze et d'alliages. Alors pourquoi le marbre est-il si apprécié des artistes et pourquoi les œuvres de ce matériau semblent-elles presque vivantes ?

Comme l'albâtre, dont les fines plaques transmettent bien la lumière, le marbre est composé de calcite et conserve également une certaine transmission lumineuse. Une certaine texture veloutée ne forme pas de reflets contrastés et d'ombres profondes nettes inhérentes au métal, et produit un jeu doux de lumière et d'ombre. Le marbre sculptural a une structure dense et le ton le plus clair qui, associé au polissage lisse du matériau, reflète bien la lumière, contrairement aux pierres colorées. Toutes ces qualités donnent l'impression de chair vivante dans les sculptures en marbre dans une plus large mesure que celles créées à partir d'autres matériaux.

Le marbre sculptural contient le moins d'impuretés, ce qui affecte non seulement la couleur presque blanche, mais aussi l'uniformité de la pierre. C'est une matière plastique facile à traiter, mais suffisamment dense et dure pour éviter les fissures et les fissures, ce qui vous permet de travailler les moindres détails. C'est pourquoi le marbre est particulièrement préféré par les sculpteurs.

Antiquité

L'art grec ancien de la sculpture a atteint son apogée au 5ème siècle avant JC. A cette époque, les techniques de base, les techniques, les calculs mathématiques nécessaires à la naissance des statues se développent. Un système spécial de proportions s'est formé qui définit l'idéal de la beauté du corps humain et est devenu un canon classique pourtoutes les générations d'artistes. Au cours d'un siècle, le niveau d'artisanat de la sculpture grecque a atteint la perfection. Cependant, les statues de cette période étaient pour la plupart en bronze et en bois avec des garnitures en or et en ivoire. Les statues de marbre décoraient principalement les frontons, les frises et les murs extérieurs des temples, le plus souvent sous forme de reliefs, bas-reliefs et hauts-reliefs, c'est-à-dire partiellement immergés dans le plan de fond.

À partir du 4ème siècle avant JC, les œuvres sculpturales de la Grèce sont marquées par une plasticité particulière des poses, le transfert de sensualité, le drame et l'épissage, pour l'incarnation desquels les maîtres ont commencé à préférer le marbre. Ex altant la beauté des sentiments humains et du corps, les grands sculpteurs antiques ont créé des statues de marbre "vivantes". Dans les plus grands musées du monde, les gens admirent encore aujourd'hui la perfection des formes sculptées et le travail virtuose d'artistes tels que Scopas, Praxitèle, Lysippe, des sculpteurs moins connus et ceux dont l'histoire n'a pas conservé les noms. Pendant de nombreux siècles, les œuvres classiques ont servi de norme académique, qui, jusqu'à la période de l'art moderne, a été suivie par toutes les générations de sculpteurs.

Moyen Âge

C'est incroyable de voir à quelle vitesse avec l'avènement et le développement du christianisme, les réalisations des arts et des sciences antiques ont été reléguées aux oubliettes. La haute compétence des sculpteurs a été réduite au niveau du métier habituel des sculpteurs incompétents. Dès la fin du XIIe siècle, des statues assez grossières et primitives, pas complètement sculptées et séparées deles fondations sont restées une partie du bloc de pierre, qui a été monté dans le mur du temple. Les figures autoportantes n'apparaissent qu'à partir du XIIIe siècle, mais avec des visages sans expression dans des poses statiques contraintes, un peu comme des idoles archaïques, elles ne sont restées qu'un ajout architectural. La nature nue et le reflet de la sensualité deviennent inacceptables, les principes classiques de beauté et de proportions sont oubliés. Dans la fabrication d'une statue en marbre, l'attention est davantage portée sur les plis des vêtements, et non sur le visage, qui a reçu une expression figée d'indifférence.

Renaissance

Les tentatives de faire revivre les connaissances et les compétences perdues de la sculpture, de créer une base théorique des techniques, ont commencé à la fin du XIIe siècle en Italie. Avec le début du XIIIe siècle sur la péninsule des Apennins, Florence est devenue le centre du développement des arts et de l'influence culturelle, où se sont précipités tous les artisans talentueux et qualifiés. Dans le même temps, la première grande école de sculpture s'ouvre à Pise, où les artistes étudient et redécouvrent les lois de l'architecture et de la sculpture antiques, et la ville devient le centre de la culture classique. La fabrication de statues devient une discipline à part entière, plutôt qu'un ajout mineur à l'architecture.

Le XVe siècle a été une période de changement total dans l'art. Les artistes font revivre et prennent pour norme les lois des proportions et les canons de beauté reconnus dans l'Antiquité. Dans la statue de bronze et de marbre, les sculpteurs s'efforcent à nouveau de refléter les sentiments humains avec noblesse et sublime, de transmettre les nuances subtiles des émotions, de reproduire l'illusion du mouvement et de donner de l'aisance aux poses des personnages. Ces qualités distinguent le travail de Ghiberti, Giorgio Vasari, Andrea Verrocchio et le plus grand maître Donatello.

Haute Renaissance

L'étape courte de la Renaissance est appelée la Haute Renaissance, elle couvre les trente premières années du XVIe siècle. Cette courte période s'est avérée être une explosion de génie créatif qui a laissé des créations inégalées et a influencé la formation de nouvelles tendances dans l'art.

La sculpture italienne dans son développement a atteint son apogée, et son point culminant a été l'œuvre du plus grand artiste et sculpteur de tous les temps - Michel-Ange. La statue en marbre, sortie des mains de ce maître talentueux, allie la grande complexité de la composition, la parfaite technicité du matériau, la parfaite mise en scène du corps humain, la profondeur et la sublimité des sentiments. Ses œuvres dégagent un sentiment de tension, de puissance cachée, de force spirituelle colossale, elles sont pleines de grandeur noble et de tragédie. Parmi les œuvres sculpturales du maître «Moïse», la composition «Lamentation du Christ» («Pieta») et une statue en marbre de David sont considérées comme une grande réalisation du génie humain. Selon les historiens de l'art, après Michel-Ange, personne ne pouvait répéter une chose pareille. Style puissant, trop libre et extrêmement individuel en raison de l'énorme talent de l'artiste et était hors de portée de ses nombreux étudiants, disciples et imitateurs.

Baroque

Au stade de la Renaissance tardive, appelémaniérisme, un nouveau style se forme - le baroque. Il est basé sur les principes du classicisme absolu, mais les formes sculpturales perdent leur ancienne simplicité des lignes, la sincérité et la noblesse de l'idée. Les poses des personnages acquièrent une prétention et des manières excessives, les compositions complexes sont compliquées par un excès de détails et les sentiments affichés sont théâtralement exagérés. La plupart des sculpteurs, recherchant l'effet extérieur, ont cherché à ne montrer que l'habileté d'exécution et leur riche imagination, qui s'est exprimée dans l'étude minutieuse de nombreux détails, la prétention et l'amoncellement de formes.

Cependant, cette période est marquée par une technique et une habileté extrêmement fines, presque joaillières, dans l'habillage du marbre. Des sculpteurs exceptionnels tels que Giovanni Bologna (élève de Michel-Ange), Bernini, Algardi ont magistralement transmis l'impression de mouvement, et non seulement des compositions et des poses de personnages très complexes, parfois apparemment instables, mais aussi superbement sculptées, comme des plis coulissants de robes. Leurs œuvres sont très sensuelles, elles semblent parfaites et affectent les émotions les plus profondes du spectateur, capturant son attention pendant longtemps.

On pense que le style a duré jusqu'à la fin du XVIIIe siècle, se manifestant également dans d'autres directions. Mais au XIXe siècle, lorsque les artistes ne reproduisaient que les étapes précédentes de l'art, les traits baroques trouvaient souvent leur expression dans la sculpture. Un tel exemple étonnant est les statues de marbre avec un voile du maître italien Rafael Monti, qui a créé l'illusion impensable d'un voile transparent en pierre.

Conclusion

Tout au long du XIXe siècle, la statue de marbre est encore sous l'influence absolue d'un classicisme strict. Depuis la seconde moitié du siècle, les sculpteurs recherchent de nouvelles formes d'expression pour leurs idées. Cependant, malgré la diffusion rapide du réalisme dans la peinture, alors que les artistes cherchaient à refléter la vraie réalité de la vie, la sculpture resta longtemps sous l'emprise de l'académisme et du romantisme.

Les vingt dernières années du siècle ont été marquées par une tendance réaliste et naturaliste dans les œuvres des sculpteurs français Bartholome, Barrias, Carpeau, Dubois, F alter, Delaplanche, Fremier, Mercier, Garde. Mais c'est surtout l'œuvre du génie Auguste Rodin, qui est devenu le précurseur de l'art moderne, qui s'est démarquée. Ses œuvres matures, souvent scandalisées et critiquées, incarnaient les caractéristiques du réalisme, de l'impressionnisme, de la romance et du symbolisme. Les sculptures « Citoyens de Calais », « Le Penseur » et « Le Baiser » sont reconnues comme des chefs-d'œuvre mondiaux. La sculpture de Rodin est le premier pas vers les formes des tendances à venir du XXe siècle, lorsque l'utilisation du marbre s'est progressivement réduite au profit d'autres matériaux.