Oeuvres de Sergueï Sergueïevitch Prokofiev : opéras, ballets, concertos instrumentaux

2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-17 05:35

Le compositeur national exceptionnel Sergei Prokofiev est connu dans le monde entier pour ses œuvres innovantes. Sans lui, il est difficile d'imaginer la musique du XXe siècle, dans laquelle il a laissé une empreinte significative: 11 symphonies, 7 opéras, 7 ballets, de nombreux concerts et diverses œuvres instrumentales. Mais même s'il n'écrivait que le ballet "Roméo et Juliette", il serait déjà inscrit à jamais dans l'histoire des musiques du monde.

Le début du voyage

Le futur compositeur est né le 11 avril 1891. Sa mère était pianiste et dès la petite enfance a encouragé l'inclination naturelle de Sergei à la musique. Déjà à l'âge de 6 ans, il a commencé à composer des cycles entiers de pièces pour piano, sa mère a écrit ses compositions. À l'âge de neuf ans, il avait déjà de nombreuses petites œuvres et deux opéras entiers: Le Géant et Sur les îles désertes. Dès l'âge de cinq ans, sa mère lui apprend à jouer du piano, dès l'âge de 10 ans il prend régulièrement des cours particuliers du compositeur R. Gliere.

Années d'études

À l'âge de 13 ans, il entre au conservatoire, où il étudie avec des musiciens exceptionnelsde son temps: N. A. Rimsky-Korsakov, A. Lyadov, N. Cherepnin. Là, il a développé des relations amicales avec N. Myaskovsky. En 1909, il sort diplômé du conservatoire en tant que compositeur, puis consacre cinq années supplémentaires à la maîtrise de l'art du piano. Puis il a étudié l'orgue pendant encore 3 ans. Pour ses réalisations spéciales dans les études, il a reçu une médaille d'or et un prix. A. Rubinstein. Dès l'âge de 18 ans, il était déjà actif dans des activités de concert, se produisant en tant que soliste et interprète de ses propres compositions.

Premier Prokofiev

Déjà les premières œuvres de Prokofiev ont suscité de nombreuses controverses, elles ont été soit acceptées sans réserve, soit vivement critiquées. Dès ses premiers pas dans la musique, il se déclare innovateur. Il était proche de l'atmosphère théâtrale, de la dramatisation de la musique et, en tant qu'homme, Prokofiev aimait beaucoup la luminosité, adorait attirer l'attention sur lui. Dans les années 1910, il est même qualifié de futuriste musical pour son amour de la démesure, pour son désir de détruire les canons classiques. Bien que le compositeur ne puisse pas être qualifié de destructeur. Il a organiquement absorbé les traditions classiques, mais était constamment à la recherche de nouvelles formes expressives. Dans ses premières œuvres, une autre caractéristique distinctive de son travail a également été soulignée - c'est le lyrisme. Aussi, sa musique se caractérise par une grande énergie, un optimisme, surtout dans ses premières compositions, cette joie de vivre sans fin, une débauche d'émotions est palpable. La combinaison de ces caractéristiques spécifiques a rendu la musique de Prokofiev brillante et inhabituelle. Chacun de ses concerts s'est transformé en une extravagance. Dès le début de Prokofiev méritent une attention particulièrecycle pour piano "Sarcasms", "Toccata", "Delusion", sonate pour piano n°2, deux concertos pour piano et orchestre, symphonie n°1. A la fin des années 1920, il rencontre Diaghilev et commence à lui écrire des ballets, la première expérience - "Ala et Lolly" est rejetée par l'imprésario, il conseille à Prokofiev "d'écrire en russe" et ce conseil devient le tournant le plus important point dans la vie du compositeur.

Émigration

Après avoir été diplômé du conservatoire, Sergueï Prokofiev part en Europe. Visite Londres, Rome, Naples. Il se sent à l'étroit dans l'ancien cadre. Les temps révolutionnaires troublés, la pauvreté et l'inquiétude générale concernant les problèmes quotidiens en Russie, la compréhension que personne n'a besoin de sa musique dans sa patrie aujourd'hui, conduisent le compositeur à l'idée de l'émigration. En 1918, il part pour Tokyo, d'où il s'installe aux États-Unis. Après avoir vécu en Amérique pendant trois ans, où il a beaucoup travaillé et tourné, il a déménagé en Europe. Ici, non seulement il travaille beaucoup, il vient même trois fois en tournée en URSS, où il n'est pas considéré comme un émigrant, on a supposé que Prokofiev était en long voyage d'affaires à l'étranger, mais reste un citoyen soviétique. Il remplit plusieurs commandes du gouvernement soviétique: les suites "Lieutenant Kiji", "Nuits égyptiennes". A l'étranger, il collabore avec Diaghilev, se rapproche de Rachmaninov, communique avec Pablo Picasso. Là, il épousa une Espagnole, Lina Codina, avec qui ils eurent deux fils. Au cours de cette période, Prokofiev a créé de nombreuses œuvres matures et originales, qui ont fait sa renommée mondiale. Ces œuvres comprennent: les ballets "Jester", "Prodigalson" et "The Gambler", 2ème, 3ème et 4ème symphonies, deux des concertos pour piano les plus brillants, l'opéra "Love for Three Oranges". À cette époque, le talent de Prokofiev a mûri et est devenu un modèle de la musique d'une nouvelle ère: le style de composition pointu, intense et avant-gardiste du musicien a rendu ses compositions inoubliables.

Retour

Au début des années 30, le travail de Prokofiev devient plus modéré, il éprouve une forte nostalgie, commence à penser à revenir. En 1933, lui et sa famille sont venus en URSS pour la résidence permanente. Par la suite, il ne pourra se rendre à l'étranger que deux fois. Mais sa vie créative au cours de cette période est caractérisée par la plus haute intensité. Les œuvres de Prokofiev, maintenant un maître mature, deviennent distinctement russes, des motifs nationaux y sont de plus en plus entendus. Cela donne à sa musique originale plus de profondeur et de caractère.

À la fin des années 1940, Prokofiev a été critiqué "pour son formalisme", son opéra non standard "Le conte d'un vrai homme" ne correspondait pas aux canons musicaux soviétiques. Le compositeur était malade pendant cette période, mais a continué à travailler intensément, vivant presque constamment dans le pays. Il évite tous les événements officiels et la bureaucratie musicale lui paie l'oubli, son existence est presque imperceptible dans la culture soviétique de l'époque. Et en même temps, le compositeur continue de travailler dur, écrit l'opéra "Le conte de la fleur de pierre", l'oratorio "On Guard of the World", des compositions pour piano. En 1952, sa 7e symphonie est jouée dans la salle de concert de Moscou, c'est la dernièreune œuvre que l'auteur a entendue de la scène. En 1953, le même jour que Staline, Prokofiev meurt. Sa mort est passée presque inaperçue pour le pays, il a été tranquillement enterré au cimetière de Novodievitchi.

Le style musical de Prokofiev

Le compositeur s'est essayé dans tous les genres musicaux, il a cherché à trouver de nouvelles formes, en expérimentant beaucoup, surtout dans ses premières années. Les opéras de Prokofiev étaient si novateurs pour leur époque que le public quittait la salle en masse les jours de premières. Pour la première fois, il se permet d'abandonner le livret poétique et de créer des créations musicales à partir d'œuvres telles que Guerre et Paix, par exemple. Déjà sa première composition "A Feast in the Time of Plague" est devenue un exemple d'une manipulation audacieuse des techniques et des formes musicales traditionnelles. Il a audacieusement combiné les techniques de récitation avec des rythmes musicaux, créant un nouveau son d'opéra. Ses ballets étaient si originaux que les chorégraphes croyaient qu'il était impossible de danser sur une telle musique. Mais peu à peu, ils ont vu que le compositeur s'efforçait de transmettre le caractère extérieur du personnage avec une profonde véracité psychologique et ont commencé à beaucoup mettre en scène ses ballets. Une caractéristique importante de la maturité de Prokofiev était l'utilisation des traditions musicales nationales, autrefois proclamées par M. Glinka et M. Moussorgski. Une caractéristique distinctive de ses compositions était une énorme énergie et un nouveau rythme: vif et expressif.

L'héritage de l'opéra

Déjà dès son plus jeune âge, Sergueï Prokofiev s'est tourné vers une forme musicale aussi complexe queopéra. Jeune homme, il commence à travailler sur des intrigues d'opéra classique: Ondine (1905), Un festin au temps de la peste (1908), Maddalena (1911). Le compositeur y expérimente avec audace l'utilisation des possibilités de la voix humaine. À la fin des années 1930, le genre lyrique connaît une crise aiguë. Les artistes majeurs ne travaillent plus dans ce genre, ne voyant pas en lui des possibilités expressives qui leur permettraient d'exprimer de nouvelles idées modernistes. Les opéras de Prokofiev sont devenus un défi audacieux aux classiques. Ses œuvres les plus célèbres: « The Gambler », « Love for Three Oranges », « Fiery Angel », « War and Peace », sont aujourd'hui l'héritage le plus précieux de la musique du XXe siècle. Les auditeurs et les critiques modernes comprennent la valeur de ces compositions, ressentent leur mélodie profonde, leur rythme, une approche particulière de la création de personnages.

Les ballets de Prokofiev

Le compositeur avait une envie de théâtre depuis l'enfance, il a introduit des éléments de dramaturgie dans plusieurs de ses œuvres, il était donc tout à fait logique de se tourner vers la forme du ballet. La connaissance de Sergei Diaghilev a incité le musicien à se lancer dans l'écriture du ballet The Tale of the Jester Who Outwitted Seven Jesters (1921). L'œuvre a été mise en scène dans l'entreprise de Diaghilev, tout comme les œuvres suivantes: « Steel lope » (1927) et « The Prodigal Son » (1929). Ainsi, un nouveau compositeur de ballet exceptionnel est apparu dans le monde - Prokofiev. Le ballet "Roméo et Juliette" (1938) est devenu l'apogée de son travail. Aujourd'hui, cette œuvre est mise en scène dans tous les meilleurs théâtres du monde. Plus tard, il crée un autre chef-d'œuvre - le ballet "Cendrillon". Prokofiev a pu réaliser sonlyrisme et mélodie cachés dans ces de ses meilleures œuvres.

Roméo et Juliette

En 1935, le compositeur se tourne vers l'intrigue classique de Shakespeare. Depuis deux ans, il écrit une composition d'un nouveau type, donc même dans un tel matériau, l'innovateur Prokofiev apparaît. Le ballet "Roméo et Juliette" est un drame chorégraphique dans lequel le compositeur s'écarte des canons établis. D'abord, il a décidé que la fin de l'histoire serait heureuse, ce qui n'était en rien conforme à la source littéraire. Deuxièmement, il a décidé de se concentrer non pas sur le début de la danse, mais sur la psychologie du développement des images. Cette approche était très inhabituelle pour les chorégraphes et les interprètes, de sorte que le chemin du ballet vers la scène a duré cinq longues années.

Cendrillon

Le ballet "Cendrillon" Prokofiev a écrit pendant 5 ans - son œuvre la plus lyrique. En 1944, la composition est achevée et un an plus tard mise en scène au Théâtre Bolchoï. Ce travail se distingue par des images psychologiques subtiles, la musique est caractérisée par la sincérité et la diversité complexe. L'image de l'héroïne se révèle à travers des expériences profondes et des sentiments complexes. Le sarcasme du compositeur s'est manifesté dans la création des images des courtisans, de la belle-mère et de ses filles. La stylisation néoclassique des caractères négatifs est devenue une caractéristique expressive supplémentaire de la composition.

Symphonie

Au total, le compositeur a écrit sept symphonies dans sa vie. Dans son travail, Sergei Prokofiev lui-même a distingué quatre lignes principales. Le premier est classique, qui est lié à la compréhension des principes traditionnels de la pensée musicale. C'est cette ligne qui est représentée par la Symphonie n° 1 en ré majeur, quiL'auteur l'a qualifié de "classique". La deuxième ligne est novatrice, liée aux expérimentations du compositeur. La Symphonie n° 2 en ré mineur en fait partie. Les symphonies 3 et 4 sont étroitement liées à la créativité théâtrale. 5 et 6 sont apparus à la suite des expériences militaires du compositeur. La Septième Symphonie est devenue avec des réflexions sur la vie, le désir de simplicité.

Musique instrumentale

L'héritage du compositeur - plus de 10 concertos instrumentaux, environ 10 sonates, de nombreuses pièces, opus, études. La troisième ligne de l'œuvre de Prokofiev est lyrique, représentée principalement par des œuvres instrumentales. Il s'agit notamment du premier concerto pour violon, des pièces "Dreams", "Legends", "Grandmother's Tales". Dans son bagage créatif, il y a une sonate innovante pour violon seul en ré majeur, qui a été écrite en 1947. Les compositions de différentes époques reflètent l'évolution de la méthode créative de l'auteur: de l'innovation pointue au lyrisme et à la simplicité. Sa Sonate pour flûte n° 2 est aujourd'hui un classique pour de nombreux interprètes. Il se distingue par son harmonie mélodique, sa spiritualité et son rythme de vent doux.

Les œuvres pour piano de Prokofiev étaient une grande partie de son héritage, leur style original a rendu les compositions extrêmement populaires auprès des pianistes du monde entier.

Autres travaux

Le compositeur dans son travail s'est tourné vers les plus grandes formes musicales: cantates et oratorios. La première cantate "Seven of them" a été écrite par lui en 1917 sur les vers de K. Balmont et est devenue une expérience vivante. Plus tard, il a écrit 8 autres œuvres majeures, dont la cantate "Songs of Our Days", l'oratorio "On Guard for Peace". Les œuvres de Prokofiev pour les enfants constituent un chapitre particulier de son œuvre. En 1935, Natalya Sats l'invite à écrire quelque chose pour son théâtre. Prokofiev a répondu avec intérêt à cette idée et a créé le célèbre conte de fées symphonique "Pierre et le loup", qui est devenu une expérience inhabituelle de l'auteur. Une autre page de la biographie du compositeur est la musique de cinéma de Prokofiev. Sa filmographie se compose de 8 tableaux, dont chacun est devenu une œuvre symphonique sérieuse.

Après 1948, le compositeur est en pleine crise créative, les compositions de cette période n'ont pas beaucoup de succès, à l'exception de quelques-unes. L'oeuvre du compositeur est aujourd'hui reconnue comme un classique, elle est beaucoup étudiée et interprétée.