2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-17 05:35
Canova Antonio (1757-1822) - Peintre et sculpteur italien, représentant exceptionnel du néoclassicisme, chanteur d'une beauté parfaite. Son travail et son génie ont fait une autre révolution dans l'art. Dans la première période de son travail, tout le monde a été influencé par le génie baroque Lorenzo Bernini, mais le jeune Antonio a trouvé sa voie.
Enfance et jeunesse
Canova Antonio est né à Possagno, une petite ville de Trévise, dans les contreforts de la Grappa. À l'âge de quatre ans, il perd ses deux parents et est élevé par son grand-père au caractère difficile. Grand-père était tailleur de pierre. Il comprit la vocation de son petit-fils et le présenta au sénateur Giovanni Faliero. Sous son patronage, en 1768 à Venise, Canova Antonio commence à sculpter ses premières sculptures. Entre-temps, le grand-père a vendu une petite ferme et le produit a servi à assurer qu'Antonio ait l'opportunité d'étudier l'art ancien. En octobre 1773, commandé par Faliero Canova, il commença à travailler sur la sculpture "Orphée et Eurydice", qui fut achevée deux ans plus tard et fut acceptée avec un grand succès. Il s'est inspiré de l'art grec ancien et n'a pas succombé à l'influence des chefs-d'œuvre du XVIIIe siècle. Le jeune Antonio a créé sonpropre atelier à Venise. En 1779, il sculpta une autre sculpture - "Dédale et Icare" - et la posa sur la Piazza San Marco. Il a également reçu une large reconnaissance.
Dédale et Icare
L'une des premières œuvres de Canova, qui représente deux personnages. Il s'agit d'un jeune Icare parfaitement beau et d'un vieux Dédale au corps loin d'être parfait. La réception du contraste de la vieillesse et de la jeunesse renforce l'impression de la composition, dans laquelle le sculpteur trouve une nouvelle technique. Il l'utilisera à l'avenir: l'axe de symétrie est au centre, mais Icare est incliné vers l'arrière et, avec Daedalus, ils forment une ligne en forme de X. Il obtient ainsi l'équilibre nécessaire. Le jeu d'ombre et de lumière est également important pour le maître.
Déménager à Rome
À l'âge de 22 ans, en 1799, Antonio part pour Rome et commence à étudier en profondeur les œuvres des maîtres grecs. Il fréquente également l'école du nu de l'Académie française et le musée du Capitole. Il reconnaît les personnages principaux de l'art mythologique et réfléchit à ses propres principes artistiques, qui seront basés sur une noble simplicité. Cela affectera son développement en tant qu'artiste. Développant le style classique, Antonio Canova crée des sculptures que ses contemporains considèrent comme comparables aux meilleurs sculpteurs antiques. Mais ce sera un peu plus tard, mais pour l'instant, il s'intègre avec succès dans l'atmosphère culturelle de Rome. Il y créera ses meilleures œuvres - "Amour et Psyché", "Les Trois Grâces" et "Madeleine pénitente", qui lui ont valu le succès et la renommée mondiale.
Cupidon et Psyché
"Cupidon etPsyché" est un groupe de deux personnages. Ils ont été fabriqués en 1800-1803. Le Dieu d'amour contemple avec tendresse le visage de sa bien-aimée Psyché, qui lui répond avec non moins de tendresse. Les formes se croisent dans l'espace de telle manière qu'elles forment une ligne X douce et sinueuse, donnant l'impression qu'elles flottent dans l'espace.
C'est une arabesque très élégante dans laquelle Psyché et Cupidon divergent en diagonale. Les ailes déployées du dieu de l'amour équilibrent la position des corps. Les mains de Psyché, embrassant la tête de Cupidon, créent un centre sur lequel toute l'attention est concentrée. Les formes élégantes et fluides des amants expriment l'idée d'Antonio de la beauté idéale. L'œuvre originale est conservée au Louvre.
Influence de l'art grec
Au départ, le travail d'Antonio ne différait pas trop des œuvres d'autres sculpteurs. Cependant, tout en étudiant les sculptures grecques, Canova Antonio est arrivé à la conclusion qu'il fallait éviter les représentations exagérées des passions et des gestes. Ce n'est qu'en se contrôlant, en vérifiant l'harmonie avec l'algèbre, en parlant allégoriquement, que l'on peut transmettre le sensuel dans l'idéal. Cela ne ressemblera pas à de l'art rococo. Antonio a progressivement créé ses œuvres. D'abord en cire, puis en argile, puis en plâtre. Et ce n'est qu'après cela qu'il est passé au marbre. C'était un travailleur infatigable qui ne quittait pas l'atelier pendant 12 à 14 heures.
Histoires mythologiques
Les Trois Grâces ont été créées entre 1813 et 1816 à la demande de Joséphine Beauharnais. Il est probable que Canova ait voulu dépeindre l'image traditionnelle de la Charité, qui existait dansMythologie gréco-romaine. Les trois filles de Zeus - Aglaia, Euphrosyne et Thalia - accompagnent généralement Aphrodite.
Beauté, joie, prospérité sont leurs symboles. Deux filles étreignent la figure centrale, elles sont également unies par un foulard qui renforce l'unité des figures. A noter la présence d'une colonne de soutien, sorte d'autel sur lequel est posée une couronne. Comme dans d'autres œuvres de Canova, les courbes douces des corps féminins parfaits, la perfection du traitement du marbre conduisent à un jeu d'ombre et de lumière. Les trois Charites représentent la grâce, entendue comme l'harmonie des formes, la sophistication et la grâce des postures. L'original est à l'Ermitage.
Style inimitable
Le sculpteur a utilisé exclusivement du marbre blanc, qu'il a modelé avec plasticité et grâce, raffinement et légèreté. Ses sculptures harmonieuses, vivant dans l'immobilité, semblent encore s'animer en mouvements. Une autre caractéristique de son talent était qu'il portait au maximum tout le travail de polissage. Cela leur donne un éclat spécial qui fait ressortir la beauté rayonnante naturelle.
Madeleine pénitente
Cette sculpture date d'entre 1793 et 1796. L'original est conservé à Gênes. Ce fut la première œuvre du sculpteur, venu à Paris pour une exposition au Salon en 1808. La jeune et belle Marie-Madeleine tomba à genoux sur une pierre. Son corps est brisé, sa tête est inclinée vers la gauche, ses yeux sont remplis de larmes. Dans ses mains, elle tient un crucifix dont elle ne peut détacher les yeux.
Elle porte un sac grossier soutenu par une corde, ses cheveux négligemment éparpillés sur ses épaules. La figure entière est pleine de chagrin. Les vêtements et le corps ont un revêtement légèrement jaunâtre. Avec cela, le sculpteur a voulu souligner le contraste entre le charme sensuel qui vient de la figure et la connaissance des profondeurs du péché. Avec l'appel du pardon divin, la repentance, l'auteur a cherché à élever une personne.
Pendant l'occupation de l'Italie par Napoléon, de nombreuses œuvres italiennes ont été transportées en France. Après la chute de l'empire, Canova entreprit la tâche diplomatique de les ramener dans leur patrie. Des œuvres d'art volées et illégalement exportées grâce à ses efforts ont été restituées. Le pape Pie VII, en remerciement pour son patriotisme, lui a donné le titre de marquis d'Ischia di Castro. Ainsi, la biographie d'Antonio Canova s'est développée de manière inattendue.
Canova est décédé le matin du 13 octobre 1822. Il a été enterré dans une tombe créée par lui-même dans sa patrie à Possagno. Son cœur est enterré séparément.
Le lecteur est brièvement présenté à l'œuvre et à la biographie d'Antonio Canova.
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