Cinéma français : histoire et étapes de développement, reportages

2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-17 05:35

Dans l'histoire de la production cinématographique mondiale, c'est le cinéma français qui intéresse le plus, puisque cet art est né dans ce pays. Le premier film a été projeté ici, le premier studio de cinéma est apparu, de nombreux acteurs et réalisateurs exceptionnels sont nés.

Les Frères Lumière

L'histoire du cinéma français remonte au 28 décembre 1895, date à laquelle le cinéma est présenté pour la première fois au monde au Grand Café du boulevard des Capucines. C'était une bande prise par Auguste et Louis Lumière sur l'appareil qu'ils avaient inventé. On pense que le cinéma est né ce jour-là.

Quelques mois plus tôt, il y avait eu une projection de film expérimental à Paris montrant "Exit Workers from the Factory of Industry". Lors de la session suivante, sept films ont déjà été présentés au public, parmi lesquels le célèbre "Abreuvoir arrosé", "Enfant de demain", "L'arrivée du train", qui ont été projetés au "Grand Café".

Ensuite, il est devenu évident queCette nouvelle forme d'art intéresse beaucoup le public. Des séances de 20 minutes se sont déroulées toute la journée presque sans interruption. Le prix du billet était égal à un franc. Plus de deux mille personnes ont visité le cinéma au cours des trois premières semaines.

A l'aube du cinéma

La deuxième figure emblématique du développement du cinéma après les frères Lumière est Georges Méliès. Il est né en 1861, avait une formation technique, mais avait une forte attirance pour l'art. Il dessine des caricatures, travaille au théâtre en tant qu'acteur, metteur en scène et décorateur.

Quand le cinéma est apparu, il est d'abord devenu pour Méliès un moyen de diversifier le répertoire théâtral. Le film est devenu l'un des numéros du programme de divertissement qu'il préparait. Cependant, cet art l'a bientôt tellement absorbé qu'en 1896, il a commencé à se tirer une balle dans la tête.

C'est Méliès qui a découvert les méthodes de prise de vue rapide et lente, et a finalement commencé à utiliser les flous et les blackouts. Il fut le premier à construire un pavillon dans sa propre datcha près de Paris. Tout pour le matériel de tournage de cascades y était également équipé - ascenseurs, trappes, chariots pour les départs et les arrivées de caméras. Méliès a même tenté de passer du cinéma noir et blanc au cinéma couleur, en essayant de colorer les cadres à la main. La durée de l'image à cette époque dépassait rarement un quart d'heure, mais cela restait un processus complexe et minutieux, notamment dans la production de contes de fées, dont Méliès avait surtout beaucoup.

En 1897, les tableaux "Faust et Marguerite", "Cabinet de Méphistophélès" sont sortis. Exactement alorspour la première fois, une tentative a été faite pour supprimer la voix de manière synchrone en l'enregistrant sur un rouleau de phonographe. Les premières années du XXe siècle s'avèrent fructueuses pour Méliès, lorsque sont réalisés les premiers films fantastiques du cinéma français - Voyage sur la Lune, Man Orchestra, 20 mille lieues sous les mers. Ses œuvres se sont toujours distinguées par l'originalité et l'invention, des solutions techniques variées et riches. Ils ont combiné la comédie vulgaire avec un charme sincère.

Ce que Méliès a fait a été une véritable avancée dans le développement non seulement du cinéma français, mais aussi du monde. La recette de son succès réside dans la mise en scène d'histoires répétées par les acteurs.

Naissance des genres

La croissance de la production a conduit non seulement à la nécessité d'améliorer les capacités techniques, mais a également marqué un problème aigu de pénurie de personnel, en particulier de réalisateurs. Dans les premières années, des personnes au hasard étaient souvent impliquées dans le travail, des photographes au mieux.

L'émergence des marchés a stimulé l'expansion de la production et offert une variété de produits. Le cinéma français, même s'il est apparu le tout premier, a pris du retard en peu de temps. Les distributeurs devaient acheter des films en Angleterre et aux États-Unis, où déjà le public se voyait proposer de nombreuses histoires originales.

Les principaux réalisateurs ont commencé à tourner de plus en plus souvent sur place. La poursuite d'histoires nouvelles au tout début de l'histoire du cinéma français entraîne la généralisation du répertoire des cabines et des cirques, ainsi que des adaptations d'œuvres littéraires.

Avant-garde

Après le premierLa Seconde Guerre mondiale dans le cinéma français du XXe siècle, il y avait un mouvement contre l'utilisation du cinéma à des fins commerciales. Il était dirigé par des représentants de l'avant-garde de l'époque. Ils expérimentaient, tout en élargissant considérablement les possibilités du cinéma.

Le Ballet Mécanique de Fernand Léger, sorti en 1924, est considéré comme le premier film du cinéma français de la nouvelle direction. Il a été suivi par toute une série de courts métrages qui appartenaient aux tendances Dada, abstraites, surréalistes. Les réalisateurs ont expérimenté la forme tout en ignorant pratiquement le contenu.

Les surréalistes au cinéma

À cette époque, les orientations stylistiques du cinéma français commencent à se dessiner. Par exemple, il y avait beaucoup de partisans du surréalisme. À la fin des années 20, il était présenté sous deux formes à la fois - nette et calme.

Le surréalisme calme au cinéma comprenait le créateur de belles visions photographiques, Mann Ray, et pointu, le réalisateur espagnol Luis Buñuel, qui a travaillé avec l'artiste Salvador Dali.

Œuvres de Cavalcanti et Renoir

Pour le cinéma d'avant-garde, les œuvres du réalisateur brésilien Alberto Cavalcanti, qui a travaillé en France, ont été d'une grande importance. En 1926, il fait ses débuts avec un reportage sentimental sur la vie quotidienne de Paris, qui s'intitule "Only Time". C'était la première tentative de capturer la vie d'une grande ville, ses contrastes sociaux et architecturaux.

Dans le tableau "Sur la route" en 1928, il créel'atmosphère romantique d'une taverne portuaire à Marseille, démontrant le contraste naissant entre le rêve d'errances lointaines et la réalité du quotidien.

Vers la même période, le fils de l'impressionniste Auguste Renoir, Jean, fait ses débuts au cinéma. Dans ses peintures "Girl with Matches", "Daughter of Water", il cherche à trouver une expression à l'écran pour une intrigue classique de conte de fées.

À la fin de la période de silence

Les premiers films sonores en France sont apparus en 1928. Puis il est devenu évident que le cinéma muet est en train de mourir rapidement. Beaucoup considéraient l'apparition du son comme un véritable désastre. Ils avaient peur qu'à cause de cela, les traditions théâtrales soient transférées à l'écran et que les lois de l'expression cinématographique soient oubliées.

Les avant-gardistes, qui se sont retrouvés dans une impasse, ont été les plus sensibles à l'avènement du cinéma sonore. Manquant de fonds pour poursuivre leurs expérimentations, la plupart d'entre eux ont arrêté leurs activités créatives.

Ceux qui sont restés se sont lancés dans une quête créative. L'un des plus brillants représentants de cette époque est Jacques Fader. Il commence à travailler dans le cinéma dès 1912 au studio Gaumont en tant qu'acteur. Quatre ans plus tard, il réalise son premier film - "Mr. Penson - Policeman".

Son mérite réside dans le fait qu'il a simultanément tenté de résister au cinéma commercial et à l'avant-garde, créant des films qui plaisaient à tous les publics, tout en possédant une valeur artistique. Dans le fonds du film d'or du cinéma français, vous pouvez inclure ses œuvres "Kiss", "Biggame", "Mimosa Boarding House", "Heroic Kermessa".

Nouvelle vague

Dans les années 50 et 60, c'est la France qui devient l'ancêtre de la mode au cinéma. C'est là que la direction "nouvelle vague" est née. L'une de ses différences fondamentales avec les films commerciaux est le rejet du style de tournage qui s'était alors épuisé et la prévisibilité de la narration.

Les représentants de la "nouvelle vague" française au cinéma sont de jeunes réalisateurs qui ont travaillé auparavant comme journalistes et critiques. Dans leurs publications, ils critiquent le système de production cinématographique en place, l'adhésion aux valeurs bourgeoises, usent d'expérimentations radicales pour l'époque.

Leurs films se distinguent par une attitude fortement négative envers le monde des anciens et la morale établie. Ils recherchent un nouveau style et de nouveaux héros - des jeunes libres d'esprit qui personnifient l'ère imminente de la révolution de la jeunesse.

Le premier film de la "nouvelle vague" est "Le Beau Serge" de Claude Chabrol. C'est l'histoire de François, atteint de tuberculose, qui revient de Suisse dans son pays natal après dix ans d'absence. Le drame existentiel d'Alané René "Hiroshima, mon amour", le film policier "Quatre cents coups" de François Truffaut, et le drame de Jean-Luc Godard "A bout de souffle" de Jean-Luc Godard, sortis de 1958 à 1960, ont été un retentissant international et le succès commercial.

Vue des administrateurs

Dans le même temps, les participants de la "nouvelle vague"nié l'existence d'un concept esthétique unique. Ils étaient unis par leur antipathie envers les stars des années 50 et l'idée de la nécessité de créer un cinéma d'auteur, c'est-à-dire des œuvres qui exprimeraient l'essence de leurs créateurs à l'aide d'un style individuel.

Les représentants de la "nouvelle vague" ont vraiment des objectifs différents. Chabrol ridiculisait la vision romantique de l'homme, Truffaut démontrait les conséquences absurdes de l'insoutenable rébellion de l'individu contre le monde bourgeois. La plus significative fut la figure de Godard, qui donna la parole aux rebelles solitaires, dont l'anarchisme est né d'une protestation spontanée contre la transformation d'un homme en robot.

"New Wave" a joué un rôle important dans le développement de l'ensemble du langage cinématographique mondial, influençant la prochaine génération de cinéastes indépendants. Ces peintures ont jeté les bases de la théorie cinématographique qui a émergé dans les années 70. Selon elle, le réalisateur doit être un auteur qui participe à toutes les étapes de la production cinématographique afin de développer son propre style.

Notre temps

Le cinéma français moderne est fondamentalement un spectacle sophistiqué, où le drame et le psychologisme sont souvent associés à un travail de caméra exceptionnel. Le style du cinéma moderne est déterminé par des réalisateurs à la mode, dont les noms sont constamment entendus.

Au début du 21e siècle, il s'agit notamment de Luc Besson, François Ozon, Jean-Pierre Genet. Les meilleurs films du cinéma français de ces maîtres sont le drame policier "Léon" et le film d'action fantastique"Le cinquième élément" de Besson, le thriller "In the House", le mélodrame "Young and Beautiful" et le drame "Franz" d'Ozon, le fantastique "City of Lost Children", le drame historique "The Long Engagement" et le film d'aventure familial "L'Incroyable Voyage de Monsieur Spivet" de Genet.

Pascal Lodge se démarque dans le cinéma de genre. Il cherche à utiliser les traditions de l'horreur classique pour repenser d'importantes questions morales et philosophiques. À l'heure actuelle, son œuvre la plus marquante est le thriller dramatique Martyrs de 2008.

Comédies françaises

La marque de fabrique du cinéma français tout au long du XXe siècle, ce sont les comédies. Peut-être qu'aucun autre pays n'a donné au monde autant de comédiens et d'histoires drôles.

Dans les années 40-60, l'inimitable Fernandel a brillé, il a été remplacé par Bourville, Louis de Funes, Pierre Richard. Presque chacun d'eux avait une image mémorable d'un héros qui errait d'une bande à l'autre - le commissaire Juve pour de Funes, François Perrin pour Richard. Ce dernier est devenu célèbre pour plusieurs comédies célèbres dans un duo d'acteur avec Gérard Depardieu - "Unlucky", "Dads", "Runaways".

Dani Boone et Jean Dujardin sont à noter parmi les artistes contemporains du genre BD.