Échelle de tempérament : concept, histoire de l'occurrence et fondements du solfège

2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-17 05:35

L'une des créations les plus célèbres de Johann Sebastian Bach s'appelle le Clavier bien tempéré, ou "HTK" en abrégé. Comment comprendre cette rubrique ? Il précise que toutes les œuvres du cycle ont été écrites pour le clavier, qui a une gamme de tempérament, c'est-à-dire celle qui est typique de la plupart des instruments de musique modernes. Quelles sont ses caractéristiques et comment est-il apparu ? Vous en apprendrez plus à ce sujet et bien plus encore dans l'article.

Informations générales

La gamme tempérée suppose que chaque octave (la distance entre les mêmes notes de hauteurs différentes) est divisée en un certain nombre d'intervalles égaux. Dans la plupart des cas d'utilisation d'un tel accordage, les sons sont disposés en demi-tons. Si nous imaginons un clavier de piano, alors exactement cet intervalle est égal à la distance entre chaquetouche adjacente. On peut en dire autant de tout autre clavier, vent ou autre instrument.

Par exemple, sur une guitare, entre des notes adjacentes sur la même corde, un intervalle d'une petite seconde est placé, qui est égal à un demi-ton.

Valeur du tempérament

Le nom de ce système vient de la racine latine signifiant mesure. Par conséquent, cette réussite peut être attribuée non seulement à la théorie musicale, mais aussi aux mathématiques. En effet, les tentatives de développement d'un tel système depuis l'Antiquité ont été faites par des personnes qui étaient des professionnels de ces deux domaines de la connaissance, et connaissaient également d'autres sciences, par exemple la physique. Et ce n'est pas surprenant, car dans ce cas, une personne a affaire à des vibrations de l'air, qui produisent des sons.

Des calculs mathématiques ont aidé les chercheurs à systématiser ainsi les sons qui composent l'octave, afin de faciliter certaines tâches d'exécution pour les musiciens. Par exemple, l'introduction du système capricieux de la musique a permis de simplifier considérablement le transport des œuvres. Maintenant, jouer la même composition dans différentes tonalités ne nécessite pas d'apprentissage répété. Si une personne connaît les bases de la théorie musicale et de l'harmonie, elle pourra jouer un morceau dans n'importe quelle tonalité. De nombreuses années d'expérience vous permettent de le faire assez rapidement.

Caractéristiques

L'accord tempéramental s'est avéré utile principalement dans l'interprétation de la musique vocale. Avec son introduction, les chanteurs ont eu la possibilité d'interpréter des œuvres de la manière la plus pratiqueton pour eux. Cela signifie que les chanteurs se sont débarrassés de la nécessité de surmener leurs cordes vocales, en prenant des notes trop basses ou trop hautes qui ne sont pas caractéristiques de leur gamme. Bien sûr, une telle liberté de manipulation du matériel musical n'est pas la bienvenue dans tous les genres. Tout d'abord, cela concerne la musique classique. Par exemple, l'exécution d'airs d'opéra dans des tonalités autres que les tonalités d'origine est considérée comme inacceptable.

Il est également inacceptable de transporter des symphonies, des concertos instrumentaux classiques, des sonates, des suites et des œuvres de nombreux autres genres. Contrairement à la musique pop, la tonalité est d'une importance beaucoup plus grande ici. L'histoire connaît des exemples de quelques compositeurs ayant une oreille musicale "colorée". Autrement dit, pour ces artistes, chaque touche était associée à une certaine nuance. Scriabine et Rimsky-Korsakov différaient dans cette perception de la musique.

D'autres compositeurs classiques, bien qu'ils n'aient pas une perception aussi « colorée » du son, distinguaient tout de même les tonalités par d'autres caractéristiques (chaleur, saturation, etc.). Le transport de leurs œuvres dans des tonalités arbitraires est inacceptable, car cela déforme l'intention de l'auteur.

Aide indispensable

Cependant, même ces compositeurs n'ont pas nié l'importance du tempérament égal pour le développement de l'art musical. La transition libre d'une tonalité à l'autre n'a pas seulement un avantage "pratique" évident, puisqu'elle permet aux interprètes d'être à l'aise quandjouer et chanter. Avec le bon choix de tonalité, la voix du chanteur semble beaucoup plus brillante et plus naturelle que lorsqu'il fait de son mieux pour jouer des notes inhabituelles pour sa gamme (graves ou aiguës).

L'échelle de température (et donc le libre changement de tonalités) offre la possibilité d'écrire des œuvres avec un grand nombre de déviations tonales et de modulations. Et ceci, à son tour, est une technique visuelle vivante qui a été largement utilisée dans la musique classique. Avec l'avènement de l'ère du pop art, l'utilisation des modulations est devenue encore plus importante. Ainsi, dans les improvisations jazz, on utilise souvent des séquences harmoniques, passant d'une tonalité à l'autre. Par conséquent, la gamme de tempérament peut être qualifiée de l'un des moteurs du progrès en musique.

Histoire

La recherche théorique dans le domaine de la musique a commencé dans l'Antiquité. L'un des premiers scientifiques qui a commencé à prêter attention à la formation était l'ancien mathématicien grec Pythagore. Cependant, même avant la naissance de cette personne exceptionnelle, il existait de nombreux instruments de musique avec un système déjà formé. Les personnes qui les jouaient n'avaient souvent aucune idée ni des propriétés physiques du son ni des bases de la théorie musicale. Ils ont appris leur art, comprenant intuitivement une grande partie de sa sagesse.

C'est-à-dire qu'à cette époque lointaine, les gens ont appris par essais et erreurs les lois acoustiques qui sous-tendent la théorie musicale et l'harmonie. Et ces sciences, comme vous le savez, ne sont pas inférieures dans leur complexité aux mathématiques supérieures. Un penseur a dit plus tard,que les musiciens et les compositeurs sont inconsciemment engagés dans la résolution des problèmes physiques et mathématiques les plus complexes. Le premier chercheur sérieux sur ces questions fut le Pythagore déjà mentionné.

Système pythagoricien

Un ancien scientifique grec a mené des expériences avec le son de l'instrument de musique le plus simple, composé d'un corps en bois et d'une source sonore tendue dessus - une seule corde.

Il a inventé son propre système, appelé Pythagore. Les sons y étaient arrangés en quintes pures. L'utilisation d'un tel système a permis à certains instruments de réduire le nombre de cordes. Avant cela, tous les instruments étaient arrangés comme une harpe, c'est-à-dire que chacune de leurs cordes ne pouvait produire qu'une seule note. Le pincement des doigts n'a pas été utilisé. Cependant, avec l'introduction du système pythagoricien, les musiciens ne pouvaient toujours pas changer la clé de l'œuvre entière ou d'une partie de celle-ci. Ce système d'accord a été utilisé jusqu'au Moyen Âge. Ensuite, les orgues pour l'exécution de la musique d'église ont été accordées selon le modèle grec ancien. Ce système, en plus des inconvénients énumérés, présentait deux autres inconvénients. Premièrement, l'échelle en eux n'était pas fermée. Cela signifie qu'ayant commencé à jouer la gamme de à, il était impossible d'arriver à la même note, mais d'une octave supérieure.

Et deuxièmement, les instruments ainsi accordés avaient toujours plusieurs sons dits "de loup", c'est-à-dire des touches ou des frettes, dont le son faisait sortir l'axe de la tonalité dans laquelle l'ensemble de l'instrument était accordé.

Musique avant le baroque

Musiciens, compositeurs et facteurs d'instruments au Moyen Âge étaient constamment à la recherche de l'accordage parfait. Les artistes de théâtre itinérants étaient célèbres pour leur jeu virtuose du luth. Pour l'accompagnement de cet instrument, des vers comiques sur des sujets d'actualité ont été interprétés. Les artistes devaient réaccorder leur instrument à la recherche de la bonne tonalité pour correspondre à leur gamme de voix, et cela impliquait plus que de desserrer ou de serrer les cordes, comme c'est le cas aujourd'hui.

Cette procédure nécessitait un changement de frettes. Ils n'étaient pas fermement attachés au manche comme ils le sont sur les guitares modernes. Ensuite, ils ont été remplacés par des harnais en peau d'animal et se déplaçant librement le long de la touche. Ainsi, lors de la reconstruction de l'instrument, ces frettes ont également dû être déplacées. Ce n'est pas un hasard s'ils plaisantaient à l'époque en disant que les joueurs de luth passaient un tiers de leur vie à accorder l'instrument.

De plus, dans le système pythagoricien, il n'y avait pas de concept de sons égaux enharmoniques. C'est-à-dire que la note "fa dièse" ne sonnait pas alors comme "sol bémol".

Différentes options

Un système d'accord quasi-moderne remonte à l'époque de Johann Sebastian Bach.

Ça s'appelait "l'accordage bien tempéré". Quelle était son essence ? Comme déjà mentionné, avant cela, il n'y avait pas de sons égaux enharmoniques. Autrement dit, si un piano moderne existait alors, alors entre les touches "do" et "re" il aurait dû y avoir deuxnoir: do dièse et ré bémol, au lieu de celui d'aujourd'hui qui remplit ces deux fonctions.

À l'époque de Jean-Sébastien Bach, la musique en tonalités avec un grand nombre de dièses et de bémols a gagné en popularité. Les compositeurs ont commencé à utiliser un mouvement délicat - pour la commodité de la performance, ils ont souvent fait des substitutions enharmoniques. Par exemple, au lieu de "sol bémol", ils ont commencé à écrire "fa dièse" dans les partitions. Mais ces notes n'étaient pas égales les unes aux autres à cette époque. Autrement dit, leur son, quoique pas beaucoup, mais différent. Par conséquent, écouter une telle musique mettait les gens mal à l'aise.

Inexact mais pratique

Mais un moyen de sortir de cette situation a été rapidement trouvé. Deux notes situées entre des marches adjacentes de la gamme ont été remplacées par une qui se trouvait entre elles. Ce son n'était qu'approximativement égal à ces deux notes, ou plutôt, c'était leur valeur moyenne. Mais, néanmoins, une telle innovation a ouvert des opportunités pour les compositeurs et les interprètes.

Écailles naturelles et tempérées

Une échelle naturelle est une échelle qui ne contient que les principales étapes de l'échelle. Les rapports entre eux sont les suivants: deux tons - un demi-ton - trois tons - un demi-ton. Selon ce schéma, les instruments folkloriques les plus simples sont accordés: tuyaux, tuyaux, etc.

Sur chacun d'eux, vous ne pouvez jouer que dans deux tonalités - majeure et mineure.

L'émergence d'un nouvel ordre

Au XVIIIe siècle, plusieurs théoriciens de la musique ont proposé l'introduction d'un nouvel accordage. ÀDans celui-ci, l'octave était divisée en 12 notes, en retard les unes sur les autres d'exactement un demi-ton. Ce système est appelé tempérament égal. Elle avait de nombreux partisans, mais il y avait aussi un nombre suffisant de critiques sévères. Le rôle du créateur du système tempéré est attribué à plusieurs personnes à la fois. Les noms de Heinrich Gramateus, Vincenzo Galilei et Maren Marsenna sonnent le plus souvent à cet égard.

Contradiction

À la question "Quelle gamme est appelée tempérament égal ?" La réponse suivante peut être considérée comme assez complète: "C'est un système où une octave contient douze notes disposées en demi-tons." Certains critiques de cette approche de l'accordage des instruments ont déclaré qu'elle n'était pas parfaitement précise et que l'accordage naturel sonnait beaucoup plus propre. C'est dans ce système que les musiciens amateurs du peuple chantent et jouent. Dans les mémoires de l'écrivain, compositeur et théoricien de la musique Vladimir Odoevsky, on peut trouver une histoire sur la façon dont il a invité une fois un de ces chanteurs à lui rendre visite. Quand Odoevsky a commencé à accompagner l'invité, il a entendu que la gamme capricieuse du piano ne correspondait pas aux notes que cette personne chantait.

Après cet incident, le compositeur a accordé son piano d'une manière différente. Son son est proche du naturel.

Conclusion

C'est arrivé au XIXe siècle. Mais les disputes entre partisans et adversaires du système de tempérament pair en musique ne s'arrêtent toujours pas. Le premier d'entre eux protège la possibilité d'une transition libre vers différentes tonalités, et le second représente la pureté de l'accord de l'instrument. Il y en a aussi d'autresoptions de personnalisation plus exotiques. Un exemple est la guitare microtone. Mais la grande majorité des instruments dans le monde ont toujours un tempérament égal.