2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-17 05:35
Barnett Newman est le représentant le plus éminent de la division américaine de l'art abstrait. Il est né en 1905 à New York. Une autre orthographe de son nom de famille est également courante: Newman. Dans les sources anglaises, il est connu sous le nom de Barnett Newman.
Combien de tableaux ont survécu
Au fait, l'artiste Barnett Newman a détruit absolument tous ses premiers tableaux, une quarantaine d'années de travail ont été barrées et, malheureusement, pas du tout d'un coup de pinceau. Par conséquent, aujourd'hui, en parlant du travail de Newman, les chercheurs n'analysent que les peintures "survivantes" de la période tardive au nombre de 120 pièces, qui s'inscrivent dans une période de près de vingt-cinq ans.
Étapes de formation
Ses parents étaient originaires de Pologne, juifs d'origine. Le jeune Barnett Newman a étudié la peinture à l'Art Students League, également connue sous le nom d'Art Students League. Cette période de créativité se caractérise par des expérimentations à la manière des automatismes de Jackson Pollock, puis Barnett Newman se laisse emporter par le graphisme, et il plonge tête baissée dans le plan du dessin aux tendances surréalistes. Il est à noter qu'il crée parallèlement une école d'artainsi que des figures de la peinture américaine du XXe siècle comme Rothko, Motherwell et Baziotis.
Il est temps d'ouvrir
La première exposition personnelle, qui présentait exclusivement des peintures de Barnett Newman, a été littéralement écrasée par les critiques d'art dans les articles de revue. Le résultat a été une dépression prolongée et une réticence à montrer son travail au public, auxquelles l'artiste n'a pu faire face que huit ans plus tard, lorsqu'il a décidé d'exposer une rétrospective des œuvres existantes. De plus, c'est durant cette période que Newman a détruit toutes ses premières œuvres, on peut donc dire sans risque de se tromper qu'il n'était pas seulement un maître du pinceau exigeant, mais aussi vulnérable.
Les œuvres les plus célèbres de Barnett Newman sont des peintures peintes entre 1947 et 1970. Ce sont des toiles logicielles, nommées de manière pathétique, racontant le monde non objectif exclusivement avec le mouvement du pinceau. "The Commandment", "Unity", "The Abyss of Euclid", "Midnight Blue" et d'autres œuvres de l'artiste abstrait forment aujourd'hui des collections privées, dont la collection de la famille de l'artiste, et sont également exposées dans un certain nombre de musées américains.. Le Museum of Modern Art de New York possède peut-être la collection la plus complète couvrant différentes périodes de la vie de l'artiste.
Manière de Newman
Les critiques le classent parmi les représentants de l'expressionnisme abstrait américain. Un théoricien aussi éminent que Clement Greenberg a donné à ce tableau une définition de la peinture de terrain qui s'y est littéralement collée, ce qui montre clairement la différence entreles grands avions de Rothko et Newman créés de manière linéaire d'automatisme et pétillants de couleurs vives. "Peinture du champ" ne fait aucune allusion aux paysages pastoraux, mais caractérise l'amour des deux maîtres pour les grands plans horizontaux monochromes dans leurs œuvres. Les chercheurs ont considéré que ce style a une connotation philosophique prononcée, et les bordures de tons présentées sur la toile ne séparent vraiment rien, ce qui signifie qu'il s'agit d'une peinture qui proclame l'un des grands principes américains - la liberté.
Inspiration
Inspiration Barnett Newman (artiste) s'est inspiré des valeurs philosophiques. En 1947, il a proclamé le but suprême de tout art - ne pas être momentané, se tourner vers des concepts d'époque: la vie, la mort, l'homme et la nature. Les noms complexes donnés aux toiles soulignent la palette de sentiments et d'émotions que l'artiste tente de transmettre avec une seule couleur dans un monde non objectif. Malheureusement, les critiques d'art ont pu apprécier cette approche bien plus tard.
Comment regarder les toiles de Newman
Il existe une règle tacite chez les artistes et les amateurs d'art: pour avoir une impression générale de la toile, il faut s'en éloigner à une distance égale à sa hauteur. Un principe similaire a fonctionné du Moyen Âge à la Renaissance et longtemps après, mais Barnett Newman a insisté sur le fait que ses peintures ne devaient être vues que de près. Qu'est-ce qui donne une telle approche ? L'effet d'immerger le spectateur dans le monde des champs colorés. Plus tard, le capitaine de New York a même commencé à afficher des instructions surcomment regarder ses peintures, en plein dans les expositions.
Achat cher
Ce qui n'a pas été accepté par les contemporains jusqu'à la période tardive de son œuvre a été apprécié plus tard et surtout à notre époque. Les toiles du maître américain de l'art abstrait apparaissent périodiquement dans les ventes aux enchères les plus importantes, y compris la célèbre vente aux enchères Sotheby's. L'un d'eux, récemment vendu sous le marteau, était évalué à 30 millions de dollars.
Et en même temps, le travail de l'artiste n'évoque pas exclusivement des émotions positives pour tout le monde. Onement VI de Barnett Newman a été appelé par certains l'un des objets d'art les plus sans valeur et les plus dégoûtants jamais mis aux enchères. Le prix du tableau lors de la dernière vente en 2013 chez Sotheby's était de plus de 43 millions de dollars, l'œuvre était une toile à grande échelle remplie de peinture bleue avec une rayure verticale assez régulière.
Création fait référence à ce qu'on appelle la foudre par opposition aux "champs" horizontaux. Dimensions générales de l'œuvre - 2, 6 x 3 m.
Barnett Newman a dédié "Anna's Light" à sa défunte mère. À proprement parler, cette chose est une toile horizontale aux dimensions impressionnantes, remplie de peinture rouge carmin. En 2013, le "chef-d'œuvre" a également été mis aux enchères et vendu pour 106 (!) millions de dollars.
D'un point de vue technique, la toile est remarquable dans la mesure où Newman a dû se battre avec la puissance lumineuse du rouge,prenant une luminosité supplémentaire de la toile apprêtée blanche translucide. Plusieurs couches de peinture rouge ont dépouillé la couleur de cette qualité et l'ont rendue "sourde" et "lugubre" comme, selon l'artiste, elle devrait l'être dans cette situation.
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